在这个欢庆的日子里，谈香港电影的“死亡”似乎有些不合时宜。
如果不刻意提起，很多人压根还不知道金像奖入围名单已经出炉，就连网上寥寥数篇消息，大多也充斥着通稿和宣传文稿的味道。
没有话题，没有争议，没有评论，没有关注，就像扔向大海里的小石子，涟漪还没出来，旋即就沉底不见。
但香港电影的“死亡”，并非物理上的消失，而是视野中的直接无视，这或比前者更让人体味到残酷和绝望的味道。
这届最佳影片不行
一个电影节水准的高低，最直接的反映就是它的最佳电影。
今年提名的5部影片，从不同的角度分析，都不难发现，还是熟悉的配方，仍是熟悉的味道。
▲金像奖最佳提名影片
首先，从港味上看——
《拆弹专家》《追龙》《杀破狼·贪狼》要浓烈一些。警匪片本来就是香港电影的经典片种，但把它们任何一部放到香港电影巅峰期的任何一年，不管今天的场面多么宏大，剧情有多复杂，动作有多绚烂，无一例外，每一部都会被秒成渣。
《明月几时有》，虽带着许鞍华的标签，但并不明显，说它是一部内地主旋律影片，相信不会有很多人持反对意见。
其次，从创作上看——
除了《明月几时有》，几乎每一部都是在炒冷饭。
《相爱相亲》，用一句话介绍，“该片讲述了三位不同年龄段女人的爱情故事。”
喜欢张艾嘉电影的观众，一定对这话不陌生，而且仿佛就在耳边。
没错，2004年，同样是她自编自导自演《20 30 40》，讲的也是“三位不同年龄段女人的爱情故事。”
《拆弹专家》，虽然宣传时一直强调，首次聚焦拆弹这一领域，但无论场面效果，还是剧情设置上，你能说它不是《风暴2》？
《追龙》，更没有说的必要，从《金钱帝国》（《五亿探长雷洛传》）到《大内密探零零狗》（《大内密探零零发》），从《未来警察》（《超级学校霸王》）到《大上海》（《上海滩》），从《澳门风云》（《赌神》）到《追龙》（《跛豪》）……
这些年来的“小弟王晶”，看势头，要把当年卖座或有影响力的香港电影，全部翻拍个遍。给他一个“翻炒王”的封号，绝对实至名归。
有了今年《追龙》的票房甜头，翻拍的劲头，势必挡也挡不住。
不妨猜想一下，接下来王导会翻拍哪一部，从感觉上来讲，应该是《上海皇帝》。不过更多网友还是呼唤他去拍《倚天屠龙记2》。
再次，从口碑上看——
豆瓣评分，《拆弹专家》（6.4）《明月几时有》（6.9）《杀破狼·贪狼》（7.2）《追龙》（7.3）差距不大外，《相爱相亲》（8.5）一枝独秀。
《拆弹专家》《杀破狼·贪狼》和《追龙》，不好也不坏，不高也不低。评论最怕遇到这种电影，想说点什么，都不知要从何说起。
《明月几时有》的评分多少有些意外，虽然没能达到许鞍华《天水围的日与夜》《桃姐》《黄金时代》那样的水准，但好歹还有小人物和大事件关系的思考。
片中梁家辉、周迅的表演保持了一贯水准，叶德娴已经成精，彭于晏让人惊艳，感觉他任何角色都能挑战，不出意外，会是另一个梁朝伟。
但许导的粉丝属于专粉，期望和要求肯定极高，或许《明月几时有》缺少了她独有的细腻而深刻的平淡，专粉们并不买账吧。
最后说说口碑极好的《相爱相亲》，豆瓣8.5，一个很高的评分，排在华语电影第32位。
一起并列的，分别为《天水围的日与夜》《喜剧之王》《花样年华》《麦兜故事》《阿飞正传》《万箭穿心》《阿郎的故事》《新龙门客栈》，加上它，总感觉哪里有些不对劲。
整体品质上，经过上次的练手和14年的积淀，张导的这部“30 60 80”，肯定要超过《20 30 40》。
当年虽拉上了李光洁、刘若英、梁家辉和黄秋生助阵，但反响并不强烈。这一部里，除了张艾嘉，吴彦姝、朗月婷和田壮壮几近素人，其中的角色和他们之间的情感，反而打动了很多观众。
但是，《相爱相亲》仍有大缺憾。
一是张艾嘉的参演。对这样一个朴素平淡地就像发生在我们身边的故事，用素人就应素到底。张艾嘉的演技没得说，但作为明星，出现在这样一部电影里，就像《我不是潘金莲》里的范冰冰，观众看的时候，是不是感觉有个人很突兀？
二是整部片子的力道。作为才女，张艾嘉想通过《相爱相亲》来表现中国女性老中青三代人的情感状态，虽故事平淡，但野心很大。
对自己寄予厚望的电影，导演容易犯一个错误，就是发力过猛。很不幸，张艾嘉犯了这样的错误，从她要参演上就能看出来。
另一方面，和当年的《20 30 40》一样，虽然两部电影里6名女性，年龄和对情感的态度分明，但细细回味，每一个都是张艾嘉，而不是她们自己，刻意设置或者说投射的意味，比较明显。
这样的电影，好就好在匠气十足，精巧无瑕，但差也差在不是浑然天成，自然而出。
本来想表达三代女性的情感“原本是什么样子”，结果却变成“应该是什么样子”，现实主义改理想主义，不得不说是一种南辕北辙。
在去年以艺术著称的金马奖上，如此文艺的《相爱相亲》，在最佳电影中败北，原因就在于此。
最后，从获奖几率上看——
《拆弹专家》《杀破狼·贪狼》和《追龙》，虽获得提名，但无论从哪个标准，得奖几乎为零。
如果真是其中一部获奖，那么，这个一年一度香港电影的总结表彰会，将直接变成香港电影的追悼会。
《明月几时有》，怎么说，更适合得金鸡奖。
《相爱相亲》，基本可以宣告，最后问鼎的是它。即便这样，也不能算是矬子里面拔出的将军，不妨碍宣告香港电影的死亡。
矬子里已拔不出将军
从风格而言，金像奖是非常接近奥斯卡的电影奖项之一，即充分追求商业和艺术的平衡。
电影首先是老板赚钱的工具，其次是导演用来表达自我的笔，主次决不能颠倒。
这与纯种的欧洲电影不同，它有且只有后者，一旦往前者上靠，就是充满铜臭气息的离经叛道，别管你票房再高，都会被嗤之以鼻。
与金马奖评选面向所有华语电影不同，金像奖一直有严格的地域限制，所以，它直接代表了每年香港电影的水准。36届金像奖，也是香港电影36年的兴衰史。
依旧从最佳影片来看，香港电影真正由盛转衰的时间，应该是2001年。
这一年，《卧虎藏龙》压倒《花样年华》，一是“外来”击败了引以为傲的“本土”，二是如此佳片竞技的局面，再也没出现。
在此之前的十几年，几乎每年的金像奖最佳影片，都会出现两部及以上佳片斗艳的局面，不到揭晓那一刻，谁得奖始终是个悬念。
《旺角卡门》《喋血双雄》《阿郎的故事》《黄飞鸿》《纵横四海》《阮玲玉》《东邪西毒》《金枝玉叶》《春光乍泄》《暗战》……
谁能想象得到，这些影片，都是每一届的炮灰。
今年的《明月几时有》和《相爱相亲》这类影片，放在那时，即便能够提名，也只能占据一个位置，就像那么多香港导演里，就只存在一个王家卫一样。
这就是在向外界宣告，别说香港电影商业化味道太浓，看，我们也有文艺片（王家卫）。
但是，2001年以后，每年的最佳影片几乎失去悬念，除了《如果爱》《2046》《神探》《亲爱的》等几部，已经很难找得到像之前那么高质量的炮灰了。
就连上任金像奖主席陈嘉上都说，如果因为香港电影越来越不受重视，这个奖就越来越不受重视的话，我们就认命吧。如果说香港电影在走下坡，那金像奖就是如实反应香港电影现状。
所以，最近十几年，最佳影片评选，或者说香港电影，一直是矬子里面拔将军的状态。
结果就是，明明感觉它已经不行了，但从《无间道》到《功夫》，从《黑社会》到《投名状》，从《桃姐》到《寒战》，从《一代宗师》到《树大招风》，每一年都会出现一块装点门面的遮羞布，看似续命，实则遮住了走下坡路的事实。
被秒杀的香港电影
与之对应的是，香港电影原本赖以生存的根本法宝——票房，也处于被秒杀的状态。
据美国《综艺》杂志报道，2017年香港电影票房榜前十名，全部为好莱坞影片；前三十名里，本土仅有《春娇救志明》（18）、《西游伏妖篇》（23）、《拆弹专家》（25）和追龙（29）上榜。
票房最高的《春娇救志明》，票房3062万港币，不到第一名的一半，就是把这个票房放到二三十年前，香港电影的八九十年代，也就是卖座的入门级。
如果只看这一个年度票房榜，很容易得出这是一个电影工业欠发达地区的结论。
可以是非洲的坦桑尼亚、埃塞俄比亚，可以是亚洲的老挝、缅甸，可以是南美的智利、秘鲁，怎么也不会想到，它会是香港，是那个——原本电影工业繁荣无比，电影明星璀璨无比，电影类型丰富无比的——香港。
从这一点来说，香港电影也确实死了。
走向死亡的终极原因
对于内地观众而言，香港电影意味着什么？
可说的太多太多，它就是几代人对于电影的记忆。
在电影院还不普及的时代，大小城市角落里的录像厅，播放的基本都是香港电影。
在VCD兴盛的年代，它是进出仓的一个个光盘。数以千计的香港电影，养活着数以万计的影碟机制造商和光盘贩卖商。
那时内地影碟机三巨头爱多、新科、万利达，无不一边吞吐着香港电影盗版VCD，一边宣扬自己的“超强纠错”能力。
在有线电视扩张的时代，它是省、市、县、镇，甚至村级电视台播放节目的“顶梁柱”。一到黄金时间，屏幕下方，到处闪现着上面繁体字、下面英文，香港电影的独有字幕。
在我们只知道演员的时代，它是帅哥美女、偶像明星的云集之地。当时香港明星到内地参演个影视剧，演员表里还得专门在他们的名字后面标上（香港）。
但这一切，都已经过去。
香港电影衰落的说法，从上世纪90年代初就已经开始，其中的原因，不外以下几种：
一是盗版说。当时，《古惑仔》里大飞哥的“主业”——盗版影碟猖獗，进电影院的人越来越少，票房也逐渐变得不景气。
这只是一个外部原因。好莱坞也曾遇到过类似的问题，甚至更严重，就是电视的兴起。观众都去看免费的小屏幕了，谁还去看大银幕。
但这反而刺激了好莱坞的又一次脱胎换骨，它正是好莱坞大片产生的原因之一。
优势不够，科技来凑。你当然可以在电视里看，但那还是大片么，效果比电影院差太远。
遗憾的是，香港电影人并没抓住这一刺激机遇，而是在粗制滥造的路上越走越远，直到今天，香港电影也没有真正意义上的大片出现。
二是流失说。辉煌的时候，成龙、周润发、李连杰、吴宇森、徐克、袁和平等创作上的中坚力量，以各种形式出走好莱坞，1997年之后，很多导演、演员又北上，导致港片质量下降。
这种说法似乎也站不住脚，他们有的陆续回来，有的一直在港，但香港电影依然难挽颓势。
三是工业说。香港电影工业看似完备，却一直不深厚。上世纪四五十年代港片的兴起，是之前内地以上海为中心的大批电影人遣港撑起的，七十年代之后的繁荣，则是完美地将好莱坞东方化，但无论是早期的邵氏，还是后来的嘉禾、永盛，赶戏一直是常态。一个明星同时轧四五部戏是很正常的事。
这导致香港电影产量大，能出好片，但精致的佳片少。看着哪类影片卖座，一哄而上的屎尿屁更多。著名电影理论家大卫·波德维尔对香港电影的那句评价，“尽皆过火，尽是癫狂”，就包含这个意思。
这种说法有一定道理。香港电影曾在东亚、东南亚有着绝对的市场，但粗制滥造时间长了，建立在雄厚工业基础上的“真神”——好莱坞一旦入侵，“山寨版”自然不会再吃香。
还有一种观点是“97说”。大体意思是祖国对香港恢复行使主权之前港人的焦虑心态，以及之后进入内地的港片所面临的审查制度，导致香港电影受到很大的限制。
这是最不靠谱的说法，属于典型的甩锅。首先，1997年前后，依然是香港电影辉煌阶段，其次，看看那些没到内地公映的港片，在香港和其他地区的票房就高，口碑就好了吗？
那么，作为华语片最大市场观众的我们，今天为什么不再喜欢看港片？
说是更爱看好莱坞也好，内地电影越来越繁荣也罢，究其根源，是大家生活方式的改变。
对学者而言，电影输出的是文化，但对普通观众，小了说是对剧情或演员的喜爱，大了说是对电影里表现出的生活方式的追捧和认同。
二十多年前，我们还处在物质匮乏时期，香港已高度发达，明星们在香港电影里展现的吃、穿、住、用、行，那种“洋儿劲”，不得不说，让很多人开了眼界。那些物质上高我们一大截的生活方式，不由令人神往。
从另一个侧面看，那时内地人在香港电影里的形象，要么是偷渡客，要么是那个又土又穷、操着满口山东话的远方表亲，基本不会给正面。
这种生活方式上的鸿沟，如今基本上被抹平。香港早已不再那么遥远，无论它的文化，还是物质生活，还有多少人趋之若鹜？
相反，越来越多的香港电影人到内地来淘金，很多还唤起了事业的第二春。
所以，香港电影走向死亡的终极原因，是观众口味的改变。
已经不是我的菜，看不见你是早晚的事。
